龙年春节来临之际，怪咖导演卢正雨又放大招了！

长久以来，在美国的漫画创作和动画制作领域活跃着许多华人艺术家，并取得了令人瞩目的成就， E.J.Su便是其中之一。作为一名大学主攻工业设计的非典型艺术家，E.J.Su（苏义杰）的才华和创造力颇受漫威、IDW、Skybound以及Darkhorse等知名国际动漫公司的赏识。他参与绘制了许多知名美漫形象，并凭借自己的才华为那些经典动漫角色赋予了新的生命和魅力。2023年8月26日起，这位在美国漫画产业中具有影响力的艺术家将在北京靠边走艺术空间举办其内地首次个人展览-“超能幻想：苏义杰美漫画稿展”。 作为一位华人艺术家，E.J.Su（苏义杰）凭借在《变形金刚》系列漫画中的出色画工而闻名。他曾为IDW出版社绘制过多部《变形金刚》漫画，其中最为著名的是《变形金刚：隐蔽行动》（The Transformers: Infiltration）、《变形金刚：升级行动》（The Transformers: Escalation）和《变形金刚：毁灭行动》（The Transformers: Devastation）等系列。在漫威版奥特曼系列漫画中，他也贡献了多幅优秀的连载漫画封面作品。E.J.Su的画风细腻而独特，成功地将机器人变形过程和巨大体英雄的细节呈现得十分生动且极具张力，从而赢得了众多漫画读者的喜爱。在大屏幕上被变形金刚震撼过的粉丝们，从本月26号开始，在北京靠边走艺术空间可以近距离欣赏到这些精彩的超级英雄原始画稿。 另外在“超能幻想：苏义杰美漫画稿展”展览期间，北京靠边走艺术空间还将为国内知名授权手办模型公司YOLOPARK举办一场展中展。作为本次展览的特别支持，届时，YOLOPARK将为大家带来高达2.2米的擎天柱模型和创新设计IIES系列模型，资深变形金刚迷们可不要错过了。 “超能幻想：苏义杰美漫画稿展” 将于2023年8月26日在北京靠边走艺术空间隆重开幕。这次展览汇集了E.J. Su（苏义杰）的众多精彩原画稿，共70余幅，这些作品不仅展示了他对漫画世界的热爱和深入的理解，也彰显了他在美华人艺术家中的杰出地位。展览将持续至2023年10月8日，为期六周的时间内，艺术爱好者和漫画迷们都将有机会亲身感受E.J. Su的创作魅力，感受他对超级英雄和漫画艺术的无限热情。

作为具有国际视野的时尚潮流地标，三里屯太古里以全新品牌口号 “Let’s Fashion Forward潮不停流”为核心，于即日起至11月11日，携手知名策展人刘钢、罗伊·特霍斯特联合呈现潮流先锋艺术群展「律动的妙想」，共邀请来自10个国家的22位/组设计师（工作室），在三里屯太古里北区呈现多元化的数字多媒体动态作品，为各路潮人呈现一场反映设计领域革新的视觉盛宴。 三里屯太古里一直致力于以永不止步的开拓精神携手众多国际一线时尚品牌不断向前，并将国际代表性的时尚元素融入到整个商业、品牌、以及市场活动中，打造“跨界多元”的文化及时尚购物的集合地，为消费者带来全方位的购物休闲体验。本次潮流先锋艺术群展「律动的妙想」在三里屯太古里北区LG层空间设置8个节点，以“流动循环”的视觉体验，打造象征潮流周而复始的“回”字形展览空间，让前来观展的消费者仿若置身循环且流动的图像之中，感受潮流元素在不断碰撞中融汇升华，焕发生生不息的潮流灵感。此次展览以当代“山石”为空间设计概念，用电视屏幕堆叠成假石山，将大自然的原生态与当代简洁、科技化的艺术表达巧妙结合，凸显出反差感与实验性，同时辅以明亮的橙色为主配色，让展览空间愈显夏日的热情欢愉。 “以短视频、动图为主要传播形式，动态视觉融汇于平面、动画和电影语言之间，以一种极为强势的形式重塑人们的视觉习惯和接受信息的思维方式，潜移默化地影响人们的日常生活，动态视觉正逐渐成为新的标准和时代潮流，”不仅如此，正如策展人刘钢所说，“参与展览的艺术家离不开诸多荷兰设计工作室的支持，可以从某种层面上来说这是一个中荷的长期合作项目。”三里屯太古里在长期发展中，曾多次赞助和与国内外知名潮流艺术家合作举办过众多文化艺术、建筑设计和慈善类的活动和展览。此次，「律动的妙想」艺术群展将三里屯太古里北区公共空间的通道转化为艺术画廊，展示出不同设计师之间的创作思考和多元对话，为公众呈现出一张动态设计发展的全景图，更建立起设计艺术与公众全新的链接，通过动态的手法，让图像、形状或字体讲述更完整的故事和表达更丰富的趣味，让每位观众都能享受沉浸式超感体验，突破边界的多维触点，拉近与观众的心理距离、产生有趣的共鸣，带给人们独一无二的潮流先锋的体验。 与此同时，新媒体艺术家刘佳玉联合F.O.G.建筑事务所，为三里屯太古里全新品牌口号“Let's Fashion Forward 潮不停流”，独家创作呈现的艺术装置「Surging 涌」也在8月8日—8月27日限时着陆，每日18:00-21:00装置将上映艺术家刘佳玉独家创作的数字灯光艺术，赋予这座大型装置动感、互动的光影效果。活动期间，三里屯太古里不仅联合众多品牌，为潮人们呈现丰富多彩的周末现场互动，还有多重限量惊喜潮礼的消费积分兑换活动，更携手陶陶居、糖水川菜Bistro、TIAGO URBAN KITCHEN等多家餐饮商户上线79代100元大众点评团购券，让潮人们在沉浸于艺术氛围的同时，尽享人间至味。 三里屯太古里邀各路潮人一同探索潮流生活与艺术想象的无限可能，共赴这场时尚演变之旅！

7月22日（本周六）北京新展《知觉的世界》即将在利星行文化艺术中心开启试营业。展览由豪思国际出品，集结了数位来自不同领域的艺术家，与数学、哲学、科学领域的专家，跨界合作，筹备筹划2年，筹备1年，在2000平米的场地中，通过9大展区，11组艺术作品，创作出一个虚实之间、时空之外的场域。 在知觉的世界中 化身时空旅人 在人类认知世界的过程中，科学为我们打开了客观世界之门；哲学带我们定义存在与意识的关系；而艺术形式的变革与发展，不断拓宽着我们的感受与认知。它们共同构成了知觉的世界。 当下，我们正站在时代分水岭上——科技迅猛发展，人工智能（AI）迅速崛起，人类的未来充满着无限可能。在这样的语境之下，我们联合众多艺术家和创作者，共同打造“知觉的世界”沉浸式系列艺术大展。我们想借由装置、影像、数字和媒体艺术，依托智能交互、虚拟现实、AI等技术，在展览中全方位调动观众的五感，让观众能更深度的沉浸体验，与我们一起探讨当下最前沿的话题：科技的飞跃、宇宙的认知、意识的边界，以及生命的永恒。 首展《罗密欧AI朱丽叶》，改编自莎士比亚经典名著《罗密欧与朱丽叶》，重构一个发生在未来世界，人类与AI相爱的故事，展览主题聚焦在爱的多面性与命运的偶然性，探听爱与命运这个古老而恒久的命题在未来世界的回响。 本次展览集结了50余位来自建筑、展览、装置、影像、雕塑、绘画、文学、表演以及跨学科领域的艺术家与学者，在科技和艺术的碰撞中，创造出一个虚实之间、时空之外的场域，融合装置、数字和媒体艺术、智能交互、AI情绪算法、空间计算、超未来感音效设计等，带来一段超越感官的沉浸之旅。 九个独特的展区共同构成了非线性的空间，人类永恒的议题被一一解构：在这个多维度的时空中，爱情是宇宙间互相遥望的粒子引发的共振，意识是从无常中脱胎的有序，真理是历史对未来的回应。宏大的主题赋予了未来世界独特的人文浪漫，同时在知觉层面引发全新的思考。 在此，你将化身时空旅人，聆听线条间意识的脉动、捕捉光影中隐秘的心绪，在超越时空界限的体验中，开启一场对于人类情感和生命本源的深度探索。 首先，观众将进入的是一条长达40米的黑暗通道，这是去往2099年的必经之路。在行进的过程中，跟随这变幻莫测的灯光和充满张力音效，我们将抵达时空的边界，穿越未知的奇点，抵达2099年。 展区“爱之永生”是一个灯光、影像、装置与音效交织在一起的多维艺术空间，是由特邀艺术家王之纲创作设计。这一整个空间构成了这个作品本身，以影像、装置、灯光、音乐等多媒介作为载体，打造了生命演进的能量场，在这里硅基生命和碳基生命的交融与共生，展现出未来生命演化的多重形态，探索了人与AI之间的情感纽带。 “爱的对立面“”这个展区，红蓝色巨幅光屏并置，形成了纯粹的色场。光的介入模糊了原有空间的维度和边界，形成了纯粹的感知世界；色彩的变化成为情绪起伏的锚点，引导人们在光与色的流转中，去探索丰富而多层次的内心情感。蓝色代表着科技的冷静、创新和理性；而红色则代表人类的激情、渴望与冲动。两种颜色的光线彼此对峙又互相交融，这种构成方式造就了空间上的思辨性，一方面代表着作为不同阵营的人类与AI的矛盾，另一方面也展现出人类与科技之间的相互补充与相互依存的关系。 “隐秘之爱”是一件空间装置作品，将朱丽叶的卧房和浴室进行了场景化的塑造，真实又极具象征意味。寂寥的梳妆台前，藏着少女不为人知的心事；浴池中波动的水面和起伏的光影，如同陷入爱情时摇曳不定的情绪。这些看似生活化的场景，却将爱欲和悸动、矛盾与挣扎一一都潜藏在细节。隐私的空间将个人化的体验与内在情感相关联，成为了抽象情绪的载体。 “情绪几何4.0”由艺术家费俊联合代数几何数学家许晨阳以及心理学家刘正奎，共同完成的一件互动装置。它试图以最简单语言——公式化的几何形态，去阐释最复杂与抽象的人类情感。观众可以手握互动装置，当下的情绪会通过实时生理数据被采集并计算，生成一个个“因人而异”的情绪几何图像，显示在这块屏幕上。在这件作品中，AI将化身“心灵捕手”，以算法捕捉和解码人们心中的情绪；而观众将作为创造中核心的一环，以自身的生物性和潜在意识驱动作品的完成。当情绪和潜意识被外化为具象的几何图形，观众就能够站在客观的角度接纳情绪的发生，反观这些情感对于自身的意义，建立一个更为正向和理性的自我对话和外在表达。 “AI花园”是一个交互式声感光线装置，自空中垂下的仿生蒲公英，姿态轻盈，并散发着温柔的光。而声音的强弱将使它们的光亮变得明暗不一，可以低声耳语，也可以大声呼喊，我们将一起创造出一片奇幻而治愈的未来景观。这个作品将科技与自然元素相融合，我们希望观众在这里体会到微小而美好的瞬间所带来的愉悦与治愈。同时，它也代表了我们对未来的美好想象——科技与自然和谐共生、文明与生态共同演化，展现的是一片充满希望的明日图景。 在“五维空间”中这个展区中，陈列着艺术家杨淞的作品《双子星》。它以激光蚀刻的金属丝作为媒材，将细如发丝的钢丝经过上万次的缠绕与排列，形成了具有纵深感的几何图形，展现着秩序之美；于此同时，随着角度和光线的变化，画面中会呈现出流动变化的光晕，营造出双生星系般的观感。再看展区中的相对而立镜面墙，展现出多重反射的效果，形成了无限扩张的三维空间；作品上随着个体行进而不断变化的光与影，构成了第四个维度——对时间的感知。以光为媒介，引导观众超越时间与空间的束缚，来到更高的维度。“五维空间”这个展区创造了一个跨越虚实的场域，在无限扩张的空间和流动的时间中感知着存在与变化。 “矩阵秋千”是由15支悬挂的金属秋千构成大型空间装置，秋千作为浪漫和自由的符号，凝结了人们内心深处美好的记忆与情感体验；当秋千以有序的点状在空间中排列，就构成了矩阵。矩阵作为计算机科学的重要概念，使复杂的运算成为可能，是机器学习和人工智能的基础。在这样的语境下，秋千矩阵被赋予了另一层意义——科技在空间中符号化的体现，它所展现出的有序与对称之美，进一步延展出科技美学在空间中的表达。与此同时，在故事中，矩阵秋千这样一个充满极致理性的空间，是AI罗密欧内心的外显，而他对朱丽叶的心动就是这绝对理性中无法预料也不可控制的变量，就如同区域中那几个高低不一荡漾摇摆的秋千。 “修道院·记忆”再现了古老的修道院庭院，十四世纪的廊柱和古朴的灰泥墙将时间带往文艺复兴时期的欧洲，投射在墙上的斑驳树影，无声地诉说着一段古老而恢宏的故事。我们常说建筑不仅仅是物质的存在，更是文明演进的见证——它承载着过去的片段，凝结了时光的痕迹，成为了与历史连接的纽带。这个古朴沉静的修道院为观众创造了一个沉思的空间，让人们可以沉浸在对时间、历史和记忆的探索中，脱离当下，在时间的更迭和历史的厚重之中，与更广阔的世界展开对话。 “平行宇宙”这个激光装置被放置在巨型的黑盒中，黑盒表面的特殊涂料可以吸收99%的可见光，就好像是空间中突兀出现的黑洞。内部的激光和镜面构了两个看似完全相同的平行宇宙，光的粒子在其间穿梭往返，形成错综复杂的路径。小小的误差最终导致了不同的轨迹，这就如同充满随机和无序的量子世界，微小的变量造就了生命的不确定性，不同的人生选择带领大家走向不同的命运轨迹。 这是一组大型艺术装置作品。在古老的木质戏台上，并置着十五世纪的书房、十六、十七世纪的器物、十九世纪的图书、二十世纪的咖啡机及二十一世纪的电影。横跨600年时间的物质，精神的、虚拟的、真实的，被创作者同时展现在一处戏剧舞台上。这一作品既表达了创作者对“知觉的世界”阐释，也给观众们创造了一处可以无限想象的场域。 CBD的艺术后花园 利星行文化艺术中心 本次大展的举办场地——利星行文化艺术中心，位于望京核心区，毗邻798艺术区及中央美术学院，建筑由世界建筑大师隈研吾操刀设计。2000平米的艺术中心被全玻璃的外立面与20000平米的自然园林环抱，不仅为周遭的公共空间营造出生机盎然的氛围，更将中国传统的人文地理特色和现代都市的活力宁静巧妙地融入设计之中，身处期间，是都市也是自然。让人充分感受到自然的宽阔温馨，心旷神怡。 出品方豪思国际将在此地打造系列沉浸式系列大展以及沉浸式戏剧演出，以艺术展览与戏剧演出为平台，推进与全球顶级创造力跨媒介、跨艺术门类的合作。融合最独特的思想与创意，打破既有的规章与界限，以期为展览、演出业态注入新活力。 借助包含展览、表演、公教等在内的全球顶级艺术内容，将这片位于城市CBD的静谧空间打造成为都市年轻人的艺术后花园，作为798艺术街区及中央美术学院的延伸，联结周边丰富热闹的商业街区，打造集餐饮、休闲、娱乐、艺术、时尚为一体的全新文化氛围，成为望京地区艺术地标。

当光影成为艺术 由詹姆斯·特瑞尔（James Turrell）发端的光影艺术，运用涡动力学、阳光、紫外光、电灯、荧光灯和LED进行一种非传统装置——光学的感知雕塑以及实体化的自然光，在五十多年的创作中，詹姆斯·特瑞尔用全部的时间去探索光与空间的关系、视觉认知机理以及人对光的感知。他擅长挑战观众对于想象与现实、内核与边界、被动观看与沉浸式体验之间的感官认知，巧妙地利用光线，构筑了的一个个在现实中真实存在，且可以进出其中的抽象空间。 他的出现也影响了一批年轻的灯光装置艺术家。 比如韩国艺术家Jeongmoon Choi，她用灯光装置创造出全新的环境，骗过观众的大脑，引发人们对模拟和数字 "位置"、结构、运动和空间视角的思考。 在北京新展《知觉的世界·罗密欧AI朱丽叶》中，多媒体艺术家王之纲在展区“爱之永生”中以影像、装置、灯光、音乐等多媒介作为载体，演绎硅基生命和碳基生命的交融与共生，探索AI浪潮下未来生命形态的多重可能性。现场的抽象叙事影像，与硅晶体拟态灯光装置以及音乐相互交织，创造出强烈的感官共鸣，让观众仿佛置身于生命演进的能量场中。探索人与AI之间的情感纽带，激发观众对于人工智能的意识、情感及与人类关系之间的深刻思考，探寻人类与科技间的共存互生之道。 当装置成为艺术 1990年，艺术家达米恩·赫斯特（Damien Hirst）将作品《一千年》呈现在大众面前。在密闭的玻璃箱里，他制造了一个生命的循环，苍蝇要生存，必须穿过电网去吸食牛头，但会付出生命的代价。萨奇后来买下了这个作品，后来他也成为了赫斯特以及 YBA（Young British Artists）艺术天团最知名的赞助人和推动者。而自 1990 年赫斯特创造了他的第一个钢架玻璃橱窗，此后这种巨大且沉重的玻璃容器便成为了他作品中的一个标志性视觉。 意大利著名当代艺术家卡特兰，让他首次在国际上打响名声的是1999年在巴塞尔艺术馆喊出的La Nona Ora（第九个小时），这是一座被陨石击中的教皇约翰保罗二世蜡像。他的创作取材于现实世界中的人和物，其作品透着对艺术和机构的戏谑。他以充满趣味和挑衅的方式将材质、物品和举动置于具有挑战性的场域之中，激起人们的评论和参与。 无论是戏谑的定格某个并不存在的瞬间，还是在一个橱柜中创造生与死的循环，非常规的表达给观众带来了与传统艺术迥异的艺术感受 在本次当代艺术大展《知觉的世界》现场的展区 “隐秘之爱” 中，创作者们设计了两件大型装置作品：梳妆台、浴室。走入象征私密的卧室，少女仿佛刚刚从梳妆台前离开，浴池中还有着波动的水面和起伏的光影，观众在这个极具生活化和隐私感的场域与自己的内心交流、对话。 展区 “戏剧人生” 同样是一件大型的艺术装置作品，通过场景化的艺术表达带来直接的感受，14世纪的古旧书桌、16世纪的戏剧舞台还有上演着横跨二十一世纪电影的现代荧幕。六百年间的艺术和文化产物共同上演在这个戏剧舞台上，给观众们带来无限的想象。 当日常成为艺术 “荧光灯雕塑家” 丹·弗莱文（Dan Flavin）是首个使用市售的荧光灯灯具制作雕塑物体和艺术装置的艺术家，也是极少的将荧光灯管在作为单一的媒介探索艺术的领军人。他的照明雕塑对空间和光线进行了严格的形式和概念研究，并将商业荧光灯管布置成不同的几何构图。他认为这种材料连接了艺术与生活。 全新沉浸式大展《罗密欧AI朱丽叶》中，“AI花园”区域由自空中垂下轻盈的蒲公英灯束组成，将科技与自然元素相融合，引导观众以感官去探索生命中美妙的瞬间，创造出一片奇幻而治愈的未来景观。展现出轻盈飞舞的姿态，渲染出静谧悠然的自然意趣。在这里冰冷的白光却展现出自然的柔软，在这里感受美好瞬间带来的愉悦和治愈。 装置艺术的更多种可能性 久负盛名的全球当代艺术大家安尼施 · 卡普尔（Anish Kapoor）创作的公共雕塑在形式和工程技术方面都极具开拓性，在尺寸和材质方面也非常多变。他用简单的造型和巨大的尺寸，营造出一种让人凝神的氛围，作品折射和营造的黑暗地带唤起了观众的神秘感受。带有触感和反射的表面像是一种莫名的吸引力，邀请观者参与到作品之中。位于芝加哥世纪公园的云门（Cloud Gate）是安尼施·卡普尔的代表作之一。芝加哥的城市景观投射到这颗豆子上，其弧度、凹凸，和图像的反射，与周围景象兼收并蓄之后使观者获得更为广阔和奇妙的感受。 装置艺术家奥拉维尔·埃利亚松也十分擅长利用光线、镜子等制作成大型的艺术装置，借由特殊的材质和与空间的交互设计营造出不同的氛围。 北京全新大展《知觉的世界》展览现场的“矩阵秋千”区域用15支金属材质的秋千组成了一个大型的空间艺术装置，在雾气交织之中墙面朦胧地倒映出空间中的一切，通过同一元素在空间上的双重象征意义，展现人类情感与科技之美在同一时空中的交汇，探索后数字时代的科技美学。兼顾代表AI理性的矩阵和人类情感的秋千秋千矩阵被赋予了另一层意义——科技在空间中符号化的体现，它所展现出的有序与对称之美，进一步延展出科技美学在空间中的表达。在这个空间传达出不同以往的浪漫氛围。 共同进入《知觉的世界》 系列沉浸式当代艺术大展《知觉的世界·罗密欧AI朱丽叶》将于7月22日开启试营业，在利星行文化艺术中心与观众们见面。 《罗密欧AI朱丽叶》是沉浸式系列当代艺术大展《知觉的世界》首展。由豪思国际出品，集结了50多位来自建筑、展览、装置、影像、雕塑、绘画、文学、音乐、电影、表演等领域的艺术家，与数学、哲学、科学领域的专家，跨界合作，在2000平米的场地中，通过9大展区，11组艺术作品，创作出一个虚实之间、时空之外的场域。此展览借由莎士比亚经典名著《罗密欧与朱丽叶》的叙事文本，重构出一个发生在未来世界，人与AI相爱的故事，以此为背景，将主题聚焦于爱的多面性与命运的偶然性，探听古老而恒久的主题在未来世界的回响。 本次艺术大展营造了2000平米、9个风格各异的电影戏剧级艺术场景，使观众专注置身于2099年的异次元世界中，每一处细节都将成为观众感官抓手，带领人们逃离现实，感知从未有过的世界，仿佛坠入了一场异次元梦境。 早鸟票距离停售还有倒计时三天，将于开展当日恢复试营业原价，同时，开展首周现场还有各类活动，有机会获得精美的展览衍生商品，让我们在这个独特而又沉浸的场域感受一场不同以往的当代艺术盛筵。

在艺术家费俊的创作过程中，科技是一个无法忽视的关键词。基于2019年的威尼斯双年展中国馆主题“Re-睿”，艺术家费俊创作了手机APP《睿·寻》（Re-Search）。其创作不再局限于中国馆的物理空间之内，而是通过一个手机APP，将虚拟的地图指引、游戏互动以及VR体验结合在一起，让更多人跨越时间和空间的限制，以更多不同的形式体验参与威尼斯双年展。 作为一个以基于地理位置的场域体验作品，《睿·寻》APP由三个板块组成，它们分别是《睿·寻》手机应用程序作品，以及《睿·建》（Re-Build）艺术游戏和《睿·联》（Re-Connect）VR 漫游。下载了《睿·寻》APP的观众可以通过手机在威尼斯水城里搜寻并体验艺术家“移植”在当地桥梁上的来自中国的25座桥。 《睿·联》结合VR漫游技术将威尼斯双年展中国馆的360度实景收入APP之中，把四位参展艺术家的作品通过网络传递给世界各地的互联网用户。同时，只要将手机放入VR眼镜，观众就可以穿越到虚拟的中国馆内自由行走、观看。 《睿·建》是一个具有田野调查功能的社会化艺术游戏，来自任何国家的用户都可以免费注册，这些被自由创建出来的虚拟世界呈现出高度个性化的审美趣味，被转化成一段24 米长的数字长卷，在威尼斯双年展中国馆的入口处展出，被命名为《有趣的世界》。 当VR成为艺术的载体，在嫁接时空的同时拓展人们的观察能力，让艺术通过科技被延伸，让科技的骨骼和艺术的内核催生新的视角。 艺术与交互 艺术家费俊不仅在单一作品中强调观众的交互完整了整个作品的概念，在《姿态云_姿态墙》这件作品中，体感装置会捕捉下观众的姿态，观众可以通过自己在现场的姿态和动作产生一种奇妙的类似绘画的视觉效果。它激发了现场观众用身体参与创作、参与表达的一种愿望。 《水曰》是一件结合AI人工智能技术的互动装置作品，观众可以通过私密性的语音输入方式来与池塘中的水“交谈”，而水则会以其原生的语言（涟漪）来回应。用“艺术与科技”的方式来探讨万物有灵的哲学命题，尝试把科技作为“灵媒”，让自然以一种超自然的“自然语言”来发声和显灵，通过重建人与自然的超级链接，唤醒人类在文明进程中遗失的对自然的敬畏感。 “艺术真正能给予人的审美价值与情感价值的很重要一点是成为创作者，只有参与其中才能经历艺术创作所带来的高峰体验，我认为这种高峰体验不应该仅仅为艺术家所独有，也应该成为公众参与到艺术过程中的一种很强烈的获得感。”——费俊 艺术与跨界 除了与观众之间的交互，艺术家费俊在跨学科的创作中也十分深入。本次沉浸式当代艺术大展《知觉的世界·罗密欧AI朱丽叶》中，“隐秘的爱” 区域中将会放置他携手数学家许晨阳、心理学家刘正奎共同打造的作品“情绪几何4.0”，给观众带来融合科技、交互与跨界的艺术体验。 “情绪几何4.0”是跨学科艺术试验项目的阶段性成果，由艺术家费俊联合代数几何数学家许晨阳以及心理学家刘正奎共同完成的一件互动装置。它试图以最为极简的语言——公式化的几何形态，去阐释最复杂与抽象的人类情感。 观众手握互动装置，当下的情绪会通过实时生理数据被采集和计算，生成一个个“因人而异”的情绪几何图像，显示在屏幕上。在这件作品中，AI化身“心灵捕手”，以数字算法捕捉和解码人们心中的万般心绪；而观众作为创作中核心的一环，以自身的生物性和潜在意识驱动作品的完成。艺术创作边界的流动消解了观众与作品原本的“观看”和“被观看”的关系，令媒介技术不再只是感官的猎奇，而是经由观众深度参与和连接，带来新的视角和认知。当情绪和潜意识被转译和外化成为具象的几何图形，观众能够以客观的角度接纳情绪的生发，观照情感之于自身的感受和意义，建立更为正向、理性的自我对话和外在表达。 在跨界的艺术创作过程中，大家通过高度开放的思想碰撞和交流之后产生出了这样一个互动装置艺术作品。代数几何数学家许晨阳在这个过程中用极简的数学认知来解读维度，基于艺术与数学的合作中，用极端的理性推演感性的情绪，中国科学院心理研究所研究院刘正奎教授则提供了情绪数据采集和分析的技术解决方案。跨学科不再是冰冷的合作，而是艺术、数学和心理之间的有机互动。 “情绪几何”以高度数学化的语言，为情感创造了一个理性的出口。让观众与流动的心灵展开对话，以直觉触摸隐秘的情绪，借数字之理性表达抽象的情感，探寻属于自己的“爱”之真义。

“在这样一个技术驱动人类发展的时代，如果不用技术的语言去反映社会现实，不用技术去追问我们的生活状态，作品可能往往是空中楼阁。” ——王之纲 今年年初，在北京奔驰新车发布会上，王之纲联合建筑师马岩松共同呈现作品“时空之环”，将前卫的建筑外形构造与炫酷的新媒体影像艺术装置相结合，打造沉浸视听体验，展现科技生命的呼吸律动，共启一场超然万象的时空之旅。王之纲用解构的方式打开建筑装置，在空间的不断嵌套、重复与迭代中，创造出新的可能性。 在2023阿那亚戏剧节上，王之纲还有雕塑作品亮相，艺术装置FEEDING ME为独自矗立的金属人形雕塑，以废弃的电路板为皮肤，隐喻着信息爆炸与科技飞速发展的时代下，被大量遗弃的物理记忆，这件作品是王之纲将脑海中的世界在海边构筑成型。 科技新生 艺术与科技结合是一个未知的、不成熟的领域，不同于其他当代艺术中的新兴媒介，新媒体作为艺术媒介很难私人化，在探索艺术语言的道路上王之纲没有在重复使用中将数字影像符号、标签化。他擅长采用各种各样的语汇完成叙事，其作品以浓厚的艺术气息和丰富的表现力见长，擅长将动画、影像、交互技术、空间造型与舞台表演艺术进行跨界融合并进行创新。时代科技更新迭代，讲故事的方式也在不断更新。新媒体艺术囊括人的五感，从意识、感受出发，没有标准答案却能增强人们感受现实的能量。 在798CUBE新展“白洞：甲骨文的奥秘与当代表意”中王之纲的新媒体作品《神曲》以抽象化的数字艺术形态，向观众展现远古占卜仪式中先民利用甲骨文与自然、与天地间的沟通和精神共鸣，以跃动的符形带领观众进入语言和文字统一的精神磁场。 在2023年中国科幻大会开幕式现场，数字人幻幻首次以全息虚拟主持人的形象惊艳亮相。王之纲携鱼果文化科技团队通过对真人演员实时运动捕捉、三维建模、语音合成，及全息技术等前沿科技手段，实现活动现场虚拟主持人的实时互动演绎及裸眼全息效果呈现，由此创造一种在虚拟与现实之间游走的超现实观演体验。 对王之纲而言，新媒体作品是结果，是对技术不断探索的成果展示，同时对技术的运用与思考重构思维秩序，进而技术内化为一种思考方式。当下冷媒介繁荣，读图时代的到来加深热媒介向冷媒介的过渡，与信息高度清晰的热媒介不同的是，冷媒介信息模糊化，在信息传递上高度依赖受众参与，冷媒介的广泛运用改变信息接收模式，在影响受众思维方式的同时成为一种新型思考范式，新媒体这类形式感强的作品调度参与者的全部感官，打开想象疆域，给予观众多维度思考。 爱之永生 在即将于7月22日开启试营业的沉浸式当代艺术大展《知觉的世界·罗密欧AI朱丽叶》中，整个展览最大的展区“爱之永生”是多媒体艺术家王之纲打造的一个多维艺术空间。以影像、装置、灯光、音乐等多媒介作为载体，演绎硅基生命和碳基生命的交融与共生，探索AI浪潮下未来生命形态的多重可能性。 黑暗的空间，如同混沌的虚无，波动的线条象征着硅基生命的起源。线条持续生长，神经网络逐渐形成，意识和情感由此诞生；在线条的不断扩张与增殖间，硅基生命被赋予了有机形体，与碳基生命相互交融，形成全新的生命体，在不断的演化和升华中，以另一种形态得以永生。 现场的抽象叙事影像，与硅晶体拟态灯光装置以及音乐相互交织，创造出强烈的感官共鸣，让观众仿佛置身于生命演进的能量场中。它既是现实的投射，也是对未来的演示：硅基态的人工智能，或许能够跨越意识奇点，进化成为拥有自我情感的生命体，与人类文明共融；亦或，作为碳基生命的人类将与智能机器深度融合，让意识超越肉身、情感与数据交融，达到人机永生的境界。 当下，计算机和生物技术的共塑使我们迈进了全新的“进化”阶段，对于科技发展的思辨正与人类自身命运息息相关。而“永生·无界”以其极具先锋性的表达，展现出后人类语境下生命演化的多重形态，探索人与AI之间的情感纽带，激发观众对于人工智能的意识、情感及与人类关系之间的深刻思考，探寻人类与科技间的共存互生之道。

知名导演及演员吴京与著名表演老师刘天池强强联手，共同发起“影武者”动作表演培训计划。第一期训练营经过师生60天的共同拼搏近日圆满结业，并于北京影武堂举行了结业展演。展演邀请了吴京恩师吴彬、知名电影人袁和平、陈凯歌、傅若清、王红卫、郭帆、张译、俞白眉代乐乐夫妇、罗礼贤、张嘉辉以及来自视频平台、经纪公司等领域的行业嘉宾到场观摩。学员们进行了精彩动人、张力十足的汇报演出，并现场播放了学员们勇猛出演的动作电影短片。 这是一次影视行业从未有过的创新性实验性教学模式，集合了动作和表演双方面的专业名师，研发全新的双轨教学课程相辅相成，用以培养动作和表演技能兼备的新型演艺人才，能打会演，文武双全。 新模式新力量！投身中国动作电影 弘扬传统武学国粹 吴京与刘天池联手培养“影武者”的新探索被视为一次新的挑战。作为中国动作电影的扛鼎人物，吴京谈到如今动作人才青黄不接的现状时，自嘲中带点无奈：“张译说我是中国最年轻的49岁动作演员”，危机感和使命感促使他与刘天池一拍即合，取长补短，开始这样一次培养新人的“冒险”。两人希望把各自多年的经验结合，转化成系统有效的全新教学方法，打破动作和表演二者的界限，培养出高能全面的演员，让动作成为塑造角色的助力而不是障碍。 在教学过程中，严格认真的吴京被刘天池称作“最狠堂主”：“疼痛是照片拍不出来的，因为在肌肉的里面，有各种各样的痛，但他们没有停过一天的训练，就因为吴京从来不让休息。他不愧是最狠的影武堂堂主，但是这帮孩子挺过来了”。 “弘扬国粹，发展创新”则是吴京与刘天池这次合作更深层次的愿景。中国武术源远流长，动作电影是武术运用的创新模式，影武者是弘扬武术精神、武术发展与创新的继承者和践行者。“我们能不能找一条新的路出来，让我们中国武术、中国动作电影再次走向世界。有幸遇到了天池老师，我们既定了一个准则，我们成立的不是吴家班，要在影武堂这个平台上聚集更多愿意为之努力和坚持的年轻人。我从身边这些师长朋友们的身上获得的能力，把他们聚在一起，再开创一个武侠动作电影的新时代”。 新课程新道路！动作表演名师齐聚 因材施教度身订造 基于这样的目的，影武堂与刘天池表演工坊合作，集合了一批在动作和表演两个领域各具成就的名师，拍戏多年的武术指导和动作演员、经验丰富的台词老师和表演老师聚在一起研发课程，切磋磨合，为首期十五个学员准备了充分而又充满挑战的双轨课程，吴京和刘天池两位老师也亲身上阵指导，教会他们如何在镜头前去打，如何在打的过程中去演。 动作教学从拳法腿法等基本功练习，到情景人物的空手及兵器对抗练习，再到威亚、跌扑滚翻、重击反应等影视情景练习；表演教学则涵盖台词独白、镜前表演技巧、角色片段练习诸多方面，并独创性的研发出“绕口令动作练习”，君子动口又动手，“一心二用”，努力做好动作的同时又要兼顾说好台词。同时老师们还根据每个学员的不同基础因材施教，教会他们如何发挥长处，如何保护自己，结合宝贵实战经验让他们在最短的时间内理解如何在镜头前更好的“打”和“演”。 新磨炼新蜕变！60天“魔鬼训练”加身 学员成长变化惊人 现场播放的影武者成长视频中，既“苦心志”又“劳筋骨”的双轨动作表演课程，60天的满负荷学习训练，让第一批“影武者”们经历了彻彻底底的身心洗礼。从早晨6点开始的长跑身体素质拉练，到晚上21点还在磨合表演片段的构思配合，每个学员在摸爬滚打的锤炼里蜕变，在烧脑费嘴的磨炼里成长。即便动作方面零基础，也毫不畏惧的每天苦练武术套招、兵器过招、飞踢倒摔、高空威亚……轻伤不下火线，不断磨炼镜前武打的种种技巧。同时钻研演技、打磨台词、切磋对戏，文武兼修，补足短板。经历了突破极限的酸爽、激情爆发的火辣、意外受伤的苦痛、滴汗流泪的咸涩、成果累累的甘甜，每天品尝着成长的味道，每天拼搏出蜕变的惊喜，终于在展演当天交出了令人满意的答卷。用吴京老师的话说：“他们有了惊喜的进步，现在已经能够应对普通程度的动作电影演出，假以时日积累经验，未来可期”。 “影武者”们的汇报演出开场虎虎生风，身法矫健，吼声震天，令人赞叹。经典电影片段的演绎声情并茂，或深情，或搞笑，或迷人，或火爆……虽然学习时间短暂，但学员们用最大的努力呈现出了最有诚意的演出。展演当天还放映了影武堂特意为学员们度身定制的动作电影短片。从剧本到拍摄无不煞费苦心，影武者们学以致用搏命出演，《怒火芳华》、《影子》、《君莫舞》三部短片题材各异，打斗炸裂，赢得阵阵掌声。学员们的表演不一定完美，但无所畏惧，尽心尽力，走出了坚实的新一步。 影视大腕共同高度评价 陈凯歌三鞠躬谢影武堂师生 吴京和刘天池两位老师对学员们的全心演出和辛苦付出感动不已，感谢这些年轻人与他们一起的不懈努力。对于这样敢为人先的探索，当天到场的各位重量级人物也给予了充分肯定。吴京恩师武学泰斗吴彬先生对于爱徒能致力于动作新人的培养感到十分欣慰，“电影是多种技术的综合体，比武术复杂得多，影响也大得多，电影发扬光大比武术更大，大家继续努力”。著名动作指导、导演袁和平希望吴京“把中国动作电影再次带到国际，希望世界观众欣赏中国的武术，中国的动作电影不比他们差”。著名导演陈凯歌以“艰苦卓绝、奋不顾身”八个字总结这60天的奋斗，并以三鞠躬衷心感谢师生。“我自己有一个感觉就是了不起。吴京和刘天池老师合作，包含着一片苦心。这一片苦心就是表演要和动作结合起来，不光是要培养武打演员，还要培养文武兼备的好演员，我得谢谢你们。为中国电影事业培养后备人才，呕心沥血办这事，自己没什么利益可言，所以我要给你鞠一躬。今天我得了启发，我学习了年轻人艰苦奋斗的劲儿，咱们一起把中国电影搞好”。中影集团董事长傅若清称赞“这样一个培训是他们职业生涯最好的一次经历，我们看到吴京从一个武术运动员变成了全世界最优秀的武打演员，我也希望在未来中国的电影银幕上、希望在我们的中影基地能够看到这些学员们的身影，希望能有更多优秀的武打演员在影武堂诞生”。 中国武打动作电影有着辉煌的历史，也曾深刻影响了世界动作电影。在电影日益国际化和工业化的今天，对于动作电影表演人才的要求也越来越高。不但会打，而且会演，摈弃符号化流于表面的人物，塑造出有血有肉深入人心的角色，全面提升中国动作电影的含金量，这是未来电影人共同的愿景。不遗余力的创新，脚踏实地的实践，从一个动作、一个眼神、一句台词做起，“影武者”动作表演培训计划将再接再厉，中国的“影武者”们百炼成钢，将与中国动作电影共同成长，共同繁荣，将会为中国传统武学的发展与创新不断拼搏。

1968年，库布里克拍摄的《太空漫游2001》上映，开创现代科技电影新纪元，直至今天依旧是探索生命与宇宙的经典之作。1995年，正值青春年华的莱昂纳多·迪卡普里奥出演的现代爱情浪漫电影《罗密欧与朱丽叶》，引得万千少男少女为爱情动容。2014年，诺兰科幻电影《星际穿越》基于黑洞理论让大家了解平行宇宙，引起了大众对宇宙的更多讨论。2021年，丹尼斯·维伦纽瓦的《沙丘》弥补了佐杜洛夫斯基的遗憾，打造出一部未来世界史诗级的科幻电影，其中电影配乐及音效夺得第94届奥斯卡金像奖。这些看似毫无关联的电影元素在即将开展的沉浸式当代艺术大展——《知觉的世界 · 罗密欧AI朱丽叶》这里交错。 《知觉的世界·罗密欧AI朱丽叶》展览出品方豪思国际集结了50多位来自建筑、展览、装置、影像、雕塑、绘画、文学、音乐、电影、表演等领域的艺术家，与数学、哲学、科学领域的专家，跨界合作。在2000平米的场地中，9大展区，12组艺术作品，为观众带来一场超越感官的沉浸式梦幻体验。 据本次大展总策展人叶向透露，本次大展在策展阶段就聘请了专业编剧，编写剧本大纲，采用舞美置景打造电影戏剧感的场景。展览场景基于莎士比亚名著《罗密欧与朱丽叶》叙事文本，重构出一个未来世界人类与AI相爱的故事。私密的朱丽叶卧室，炫酷的未来舞厅，十四世纪的修道院回廊，十六世纪莎士比亚的戏剧舞台，梦幻的AI花园，浪漫的秋千矩阵。每一处场景都充满了戏剧电影的质感，参展作品放置其中，使观众获得身处电影场景中的沉浸式观展体验。 本次展览中，观众不再是进入一个有着白色展墙的空间观看艺术品，拍照打卡，观众在进入展览区域时，会首先进入一条由光影打造的神秘莫测的命运通道，同时充满未来感的音效将观众拉入这个未来与现在交叠的梦幻空间之中。由此进入区域“爱之永生”，艺术家们在这里打造了一处光、影像、装置与音效交织在一起的多维艺术空间，这个超未来场域将带领观众探索人类在宏观世界中生命的意义与多重形态。随后走入“爱的对立面”，并置的大幅光墙形成纯粹的色场，红与蓝在空间中互相对峙，又彼此融合。离开这里步入朱丽叶的卧室，晃动的水面与浴缸组成身临其境的“隐秘之爱”，在这里显露心底最隐秘的情感。随着爱意的显露，前往另一个 “AI花园”场域，在这个空间，从空中垂落的蒲公英在这里飞舞，用光的语言书写诗意。穿过花园来到“矩阵秋千”，高度概念化的装置与雕塑结合，在这里感受灯光、雾气、音乐包裹着诗意的氛围。行至“修道院·记忆”，穿越进中世纪的欧洲，在哥特式廊柱旁感受过去的故事，看向空间中突兀的黑盒，让最黑的黑消解一切观念，盒中的激光和镜面构成两个平行的世界，感受光的穿梭和碰撞。在一系列的行进和空间切换中感受爱的萌芽、滋生、冲撞和纠缠。 与以往当代艺术展不同的是，本次沉浸式大展设计了三处互动环节。观众在朱丽叶的卧室中可以加入这场关于“爱的表达”，用最本真质朴的纸笔书写心底的表白，并投递到“修道院”区域的黑洞当中，让这份心意抵达虚实交织的平行宇宙。另一件当代艺术装置“情绪几何”来自特邀艺术家费俊，该作品由他和代数几何数学家许晨阳以及心理学家刘正奎跨学科合作，邀请观众手握互动装置，触摸时的情绪会通过心率等生理数据采集设备记录并计算出来，并生成一个个“因人而异”的情绪化的几何图形，让观众首次触碰到冰山下的潜意识。在展区结尾的“戏剧人生”，豪思国际携手知名科技公司商汤科技打造，观众可以借助最先进的MR（混合现实技术）亲眼见到AI莎士比亚，穿越时空来到现场，提出你关于人生、爱情、生命的种种疑问，莎士比亚将与你对话并给出他的回答，帮助你追寻关于爱与生命本源的答案。 未来不一定是时间的概念，科幻也可能只是一个方法。在“科幻”和“未来”交织的这个场域中，无需刻意的幻想，只需让这个场景成为一场你正在经历的梦，身在其中，是观看者，又是参与者；所见所感十分模糊，感受却又异常清晰。交叠着过去和当下，模糊了的空间、时间的界限与先后顺序，激发观众的无限思考与想象。

沉浸式当代艺术大展《知觉的世界·罗密欧AI朱丽叶》即将于2023年7月8日在利星行文化艺术中心开幕，现已于各大票务网站开启预售。本次展览出品方豪思国际，集结了50多位来自建筑、展览、装置、影像、雕塑、绘画、文学、音乐、电影、表演等领域的艺术家，与数学、哲学、科学领域的专家，跨界合作，在2000㎡的场地中，在同一故事线下，设计了九个融合了装置、数字和媒体艺术、智能交互、AI情绪算法、计算机编程灯光表演及超未来感音效相融合的场域，将为观众带来一场超越感官的沉浸幻梦体验。 据展览总策展人叶向透露：“本次展览将沉浸式当代艺术大展迭代到了一个新维度，带来了全新的玩法——编剧编写剧本大纲，舞美置景打造电影戏剧感场景，十二组艺术作品，融合于这九个场景中，使观众仿佛坠入了九段由电影镜头组成的梦境，或是经历了一场戏剧神游。” 《知觉世界·罗密欧AI朱丽叶》沉浸式当代艺术大展，将十二组艺术作品融合于这九个不同的叙事场景中。所有这些场景，都借由莎士比亚名著《罗密欧与朱丽叶》为叙事文本，重构出一个发生在未来世界，人与AI相爱的故事。私密的朱丽叶卧室、潮感十足的未来舞厅、十四世纪的修道院回廊，十六世纪莎士比亚的戏剧舞台、梦幻的AI花园、浪漫的秋千矩阵……每一处场景都做到了极致。让参与者获得完全沉浸的体验，使观者专注，置身于自己所处的世界中。每一组放置其中的作品，与场景、音乐融合，为观众构造了别样梦境，让人沉溺其中，不愿离开。 炫酷灯光营造下的电影戏剧氛围，科技感爆棚的艺术装置，来自异次元空间的故事线串联，每一个细节都成为观众感官抓手，带领人们逃离现实，体验从未有过的世界。

艺术是时代的镜中之像，艺术家们通过自己的作品，以不同的方式对其所生活的社会、发生的各类事件以及所蕴含的各种情绪进行解读。

身兼摄影大师、艺术家、著名编辑等多重身份的米原康正，以艺术厂牌“+DA.YO.NE”创始人及策展人的身份再次来到中国。2月11日至3月19日，由米原康正策展并领衔的日本艺术家群展《Girls Wave》将在北京靠边走艺术空间举办。 作为“东京女性次文化”的引领者，米原康正一直以敏锐的观察捕捉不同时代的女性魅力，他用镜头追逐不为日本男权社会所同化的女性，以性感、真实、私密的摄影作品诠释青春之美，表现女孩子最自然的姿态，博得广泛好评。近些年间，这位独树一帜的艺术家还着力于挖掘优秀的艺术新势力。“日本有很多有趣的艺术家，但没有人来帮助他们进行策划，我觉得这简直是极大的浪费”——这是米原康正关于蓬勃的日本年轻艺术家群体的思考，也是他建立合作厂牌“+DA.YO.NE”的初衷。+DA.YO.NE是一个将艺术、音乐等多种流派的创作者们聚集和交流的地方，由此碰撞出非常多的艺术展览和活动。 自2019年成立以来，+DA.YO.NE平均每月都会举办2次个展和群展。 从艺术家到策展人，多元性的身份之下，米原康正对传统社会中女性表达的关注一直没有改变，在他看来，艺术的原始力量掌握在既定体系之外的女性艺术家手里。在《Girls Wave》日本艺术家群展中，除了米原康正的作品，其余全部为日本年轻女性艺术家创作。这7位女性艺术家当中既有受过传统艺术教育的“学院派”，也有独自耕耘、以自己的方式创作并通过社交网络传播的“自由派”。尽管这些日本女性艺术家的艺术表达方式各有不同，但她们都在以一种非传统的视角对所生活的社会、发生的各类事件以及所蕴含的诸般情绪进行解读。她们的作品同时也代表了米原康正一直想呈现的、属于日本女性的独特力量。 由米原康正策划的“Girls Wave-日本艺术家群展”即将于2月11日-3月19日在北京靠边走艺术空间举办，各位朋友不妨到现场感受一下日本年轻女性艺术家们用画笔描述的“当下”时代。

国际知名波普超现实主义艺术家盖瑞·贝斯曼（Gary Baseman）带着他的新展“猫有九条命”再次回到中国。2022年9月30日，靠边走艺术空间的年度大展“猫有九条命-盖瑞·贝斯曼个人作品展”借着一场VIP兼媒体提前观展日的活动正式与中国观众见面。在过去的 “十一”假期中，这只长久陪伴着艺术家、启发了他无数灵感和创意的黑猫Blackie不仅为包括著名艺评人陆蓉之在内的业界人士带来一场尽兴的展览，贝斯曼对小猫难以割舍的情感也打动了无数到场的大小观众。 盖瑞·贝斯曼一直保持着作为艺术家对创作的敏感度，经常尝试各种艺术表现形式，《猫有九条命》也是一场由贝斯曼亲自参与策划的展览。从空间设计到展陈摆放，他一直在践行着 "全面艺术”一词的观点，跨越艺术和创意的界限：“只要你忠于自己的审美，并有强烈的信念，你就可以把你的艺术放在任何东西上。” 黑猫Blackie在盖瑞·贝斯曼的生命中不只是作为一只爱宠而存在，它拥有许多身份：一位哲学家；一位心灵治疗师；一位伟大的健谈者和绝佳的同事。贝斯曼通过绘画、素描和软雕塑作品向观众展示艺术家对黑猫Blackie的依恋与致敬。同时，展览现场的摄影、录像和大型装置作品则分享了Blackie的真实性，更好的传递艺术家的创作理念。盖瑞·贝斯曼期待通过横跨多媒材领域的作品，鼓励观众去感受黑猫专属的超乎寻常的魅力、机智、生活态度，并与治愈心灵的呼噜声产生连接和共鸣。 盖瑞·贝斯曼在靠边走艺术空间创造的沉浸式展区的确快速的把大家拉入Blackie的奇喵世界，通过黑猫图书馆、Live Show现场和散步街区这些深度复刻的生活化场景，不仅为大家带来丰富的观展体验，也让观众感受到艺术家与黑猫之间精彩感人的故事。除了这些沉浸式展陈，本次展览最大亮点“The purr room（呼噜屋）”收获到惊人的好评。猫奴们对Blackie强有力的呼噜声着迷。除了“治愈、让人迅速放松、与众不同”这些评论外，来自幸运土猫的老师们也真诚的表达了呼噜之力一定会让部分人群泪崩的观点。希望在展期内有幸抵达北京展览现场的观众都能被小猫的声音慰藉，得到来自小猫的爱的力量。 《猫有九条命》将持续在北京靠边走艺术空间展览至11月27日，这是一场具有独特视角的展出，如果你是潮流艺术爱好者和重度猫咪爱好者，那么你一定不要错过本次展览。

北京靠边走艺术空间将于10月1日到11月27日呈现美国著名波普超现实主义艺术家盖瑞·贝斯曼（Gary Baseman）的全新个人展《猫有九条命》（Nine Lives），展览早鸟票已于9月15日开放购买。本次展览的焦点将对准盖瑞·贝斯曼生命中最重要的伙伴、缪斯和导师，启发了他无数灵感和创意的黑猫Blackie。现场将通过横跨多媒材领域的诸多作品，向到场观众展现艺术家和黑猫相互依靠的岁月，如果你是资深铲屎官和当代艺术爱好者，那么你一定不要错过本次展览！ 盖瑞·贝斯曼，他是“全面艺术”的开创者，模糊了艺术与商业艺术的界限。作为与马克·莱登齐名的美国超现实主义代表人物，盖瑞·贝斯曼自80年代开始以商业插画家的身份在艺术圈立足后，凭借独一无二的画风在艺术界逐渐奠定了自己的地位。他的作品既童话又暗黑，在疯狂的想象力中糅杂了自身生活的背景，形成深入潜意识的视觉语言。盖瑞·贝斯曼的艺术创作范围涉猎广泛，除了包括平面画作、立体玩偶、多媒体的创作之外，游戏设计、动画制作，甚至是与时尚品牌的跨界合作都能看到他的身影——他既是红极一时的棋盘游戏Cranium的设计师，也是三届艾美奖获奖作品《Teacher’s Pet》（酷狗上学记）系列动画短集及同名电影的创作者，而与他跨界的品牌中更是不乏COACH、Lladro和Dr. Martens等国际知名品牌。 黑猫Blackie作为本次展览的主题，不同于艺术家作品中常见的讽刺内涵和关于梦魇的探讨，它轻松幽默的形象代表着盖瑞·贝斯曼温柔的另一面。Blackie曾是盖瑞在洛杉矶的邻居所养的户外猫，当他搬入这个街区的第一天，小猫就从隔壁跳入了他的生活，自此成为了艺术家最好的朋友、缪斯和导师。Blackie的存在启发了盖瑞·贝斯曼艺术生涯中的一些重要角色，比如ChouChou，Ahwroo，而某种程度来说，Blackie也是艺术家的另一个自我。遗憾的是，小猫Blackie最终因病于2020年逝世，盖瑞将这些年共同生活的点滴转化为艺术创作，展现一只猫的多重世界。 《猫有九条命》除了是盖瑞·贝斯曼的首场北京个展以外，展览现场还将为大家呈现艺术家制作的大型疗愈声音装置“purr room”（呼噜屋），同时也是这座兼具疗愈功能的大型艺术装置首次在亚洲展出。呼噜屋的来源是黑猫Blackie日常喜欢发出的如三重奏般的呼噜声，盖瑞认为猫的这种声音充满无上的治疗能力，让人无限平静。这一项目在洛杉矶和伦敦面世就引起轰动，人们纷纷排起长队进入巨大的Blackie“身体”中，感受有节奏的声音和呼吸的频率，放松自己。展览早鸟票现已开售，希望在10月1日到11月27日期间有幸能抵达北京靠边走艺术空间的观众也能在呼噜屋中被小猫的声音慰藉，得到来自小猫的爱的力量。

2022年7月2日，瑞典艺术家Emil Ohlund个人展-【高能动力幻想】在北京靠边走艺术空间精彩亮相，为沉闷已久的798艺术区注入一丝来自异维度的活力。本次展览也得到了来自瑞典驻华大使馆的支持，靠边走艺术空间以艺术内容为载体，希望可以借此拓展瑞典潮流文化在中国的知名度，促进中国年轻人对瑞典有更多层面的了解。 【高能动力幻想】是瑞典艺术家Emil Ohlund至今为止规模最大、原作最多的一次展览，超50幅画作被陈列在3个展区，到场观众穿梭在目眩神迷的浓烈色彩中，近距离欣赏到艺术家笔下色彩斑斓的维度和幻想世界。那些画面中流露出的或熟悉或陌生的童年意象，既是主角也是背景，为展览空间构筑起强大的迷幻感。 本次展览最大的惊喜之处便是借助多媒介呈现Emil Ohlund作品中所带来的异维度入侵现实世界之感，在这里，全信息与虚无同一，让人难以分辨作品和现实的界限。来自艺术家本人创作的实验音乐、复古红白游戏机、闪烁的霓虹灯管和电子屏，这些旧与新的材质交替为作品内容赋予了新的生命力，以另一个维度拉近了观众与艺术家的距离。正是在这些奇异的对撞下，饱含了策展人对艺术家的强烈共鸣，并希望将内在的情绪传递给每一位到场的观众。 【高能动力幻想】将在北京靠边走艺术空间持续展出一个月，从7月2日到7月31日，欢迎大家来到这个由过去与未来交织架构的空间，在充满童年想象的画作中一同短暂地逃离充满压力的现实。

5月23日，中央广播电视总台大型文化节目《从延安出发》顺利开播，该节目以纪念延安文艺座谈会80周年为契机，结合新时代优秀文艺精品，联动16家国家级文艺院团、院校、演出机构，集聚“文艺国家队”的力量，展演话剧、歌剧、舞剧等多类型精品力作，展示新时代文艺成果。并灵活使用国内顶尖的xR技术，力求令观众耳目一新，在感受文艺作品“人民至上”创作初心的同时，又能体验到技术与艺术完美融合的视听享受。 《从延安出发》的创作团队远赴延安本地采风，走访多家博物馆、艺术馆，并访问多位美术、历史学家，创作出了舞台上的“时光艺术馆“，舞美和灯光设计组与导演组完美配合，利用诸多元素搭建起不同主题的“文艺之路”，而与xR技术全新包装方式的结合，也大大加强了观众的沉浸式体验，使演员与虚拟场景、灯光、舞美交错相融，从而达到最好的艺术展示效果，全面展现了自延安文艺座谈会以来，80年中国文艺界蓬勃发展的创作活力。 此次担任节目视觉总监的是来自眼保健操制作（北京）战略合伙人、视觉顾问，北京幻彩星图文化传媒创始人胡增鸣，由他带领的视觉团队在节目中谨记文艺工作者的创作导向，结合传统LED视觉+xR虚拟视觉，同各大国家级院团联手，将历史与现代科技用浪漫的方式深刻体现。 在开场设计中，为结合节目的创作与创新内容，以15个院团本身的特有符号为提炼元素，通过不同的作品道具展示，将各个院长、团长与其所在院团的代表作相互联动、跨越时空，在舞台上重逢，感受传递的力量。例如：中央芭蕾舞的《红色娘子军》中的经典芭蕾舞动作；中国歌剧舞剧院在延安的第一场巡演的《白毛女》场景；中国儿艺《报童》中的经典动作等。 不同的场景结合不同的光束，讲述不同的历史情境，光效的考究，从整体上使历史氛围更加厚重。此外，在整个节目录制过程中，利用虚拟技术的加持，构建出不同的特有场景，并且通过xR的技术效果与院长、 团长进行更真实的交互录制， 局部超现实夸张的视觉处理带给观众更震撼的视觉冲击。 全包围的虚拟，突破了舞台的原有结构，从而打造出更宽广无际的舞台空间感，使得节目的主旨进行视觉上的艺术升华。 《从延安出发》中呈现了各种类型不同的节目，而每一个节目都有着独特的包装效果。例如节目《追寻》，视觉团队首先搭建了革命先辈为了祖国英勇战斗的场景，利用xR技术的沉浸式效果，在一片战火纷飞中，再现先辈们用鲜血浇灌新中国的伟大事迹；后半段将场景转换为新时代祖国一片繁荣的场景。前后对比，表达了正是因为有一代代先辈不惧牺牲艰苦奋斗，心中永保对美好生活的向往，始终坚持党的使命，最终实现了如今的盛世繁华。 节目《黄河船夫曲+保卫黄河》由于现场有上百人的交响乐团及合唱团，团队创造性地打破以往xR使用方式，定制设计了disguis渲染平台的虚拟模型，保证在有虚拟拓展层包裹的情况下依然保有现场舞台结构，将虚拟与真实有机结合，呈现出完全不同以往脱离真实舞台的虚拟效果。 节目《春节序曲》的视觉设计上，团队根据陕北传统剪纸为先导元素，用xR场景构建了一个剪纸的世界，展现出浓郁的陕北风情。之后以腰鼓红绸以及红绸上镂空的剪纸图案，再次构建了一个充满延安特色的环境，将传统民乐有机结合，在《春节序曲》的音乐中再现了新中国成立前夜那个欢腾的延安。 相信《从延安出发》节目的播出，会再次推动国内xR虚拟技术的发展和普及。眼保健操制作（北京）作为xR虚拟拍摄全流程服务团队力求将艺术表现和技术表达二者融合发展，像一个精巧的工匠，将艺术与技术穿针引线，良好的交织在文艺作品之中，把先进的科技手段用最温柔的方式浇灌进艺术理念当中，并以最美的方式呈现给每一位观众。

《奇先生妙小姐》（Mr.Men Little Miss）被誉为英国国宝级绘本，风靡80余国，在全世界共有17种语言，累计销量至今已超过2.5亿本。除了经久不衰的故事书之外，近年来，奇先生妙小姐更是与各大品牌联合，推出不少品类的好物，其中不乏麦当劳、Sandro这些国际大牌。最近他们更联同小王子盲盒设计师陋室五月Steven Choi合作推出盲盒玩具-《发现狂想曲》，经典人物诸如阳光小姐（Little miss Sunshine）和快乐先生（Mr.Happy）与陋室五月所创作的卡通形象-小白相得益彰。在打开盲盒的瞬间，奇先生妙小姐那能够融化人心的开心笑容与性格萌趣的小白一下子便给人带来治愈的温暖。这套盲盒的魅力现已在靠边走WrongArtitude线上店铺的发售！ 陋室五月Steven Choi的盲盒一贯以艺术性见长，他所设计的小王子系列盲盒以及叹息星河系列盲盒都被粉丝称为盲盒界的艺术品。本次推出的Mr.Men Little Miss x 小白联名款盲盒一改往常细腻感性的风格，创造出囊括乐观、活泼、搞怪、阳光等特质的“小朋友们”。这套新推出的联名盲盒利用缤纷色彩创造出的逗趣场景，不论是充满春天明亮气息的“小盆栽”，或是加倍元气的“爆笑合唱团”，都让人看了心情大好一秒被圈粉。 《发现狂想曲》盲盒一共有6款玩具，造型调皮富有趣味，细节满满。每个独立盒子都附有一个神奇花棒，只要对准特殊页的设计，便可看到小白的百态，有如魔法一样！如果不想错过任何一款玩具，你可以选择特別珍藏套裝，除了6款常规玩具加一款随机隐藏版常规玩法外，更多附赠一张珍藏版画，数量有限，值得收藏。 用可爱软萌搭配奇趣搞怪，世间所有的情绪都融进了这套明亮抢眼、充满活力的《发现狂想曲》盲抽盒玩中。邀约大家在这个初夏与《奇先生妙小姐》和陋室五月一起携手展开一场超级俏皮的治愈约会。

Emli Ohlund埃米尔·厄伦德是一位来自瑞典的跨次元潮流艺术家。他擅长用亚文化作为内核，呈现出独一无二的异维度世界。除了“超扁平”画风，他还会采用多材质、拼贴和异形画作的创作方式，让电子记忆与现实世界交相呼应。作为近年来在欧美艺术品收藏市场上崭露头角的新锐艺术家，本文将用四个关键词，带你走进Emil Ohlund的灵感世界。 “超扁平（Superflat）”这一概念是日本艺术家村上隆（Takashi Murakami）在2001年创造的词汇，既是指在艺术作品中非三维感的风格，也是对消费文化中扁平化、肤浅性的判定。村上隆所定义的“平”不仅指绘画的平面感，还意味着高级艺术和低俗艺术之间、艺术流派之间、商业与艺术之间的划分是平坦的。Emil的创作都是由传统的小笔刷精细的一层一层绘制，肉眼几乎看不出他的笔触，使作品看起来尽可能的数字化，拉平不同视觉媒介之间的边界。他的作品所呈现的表面光滑、二维的艺术风格，让画面信息本身重新作为核心，凸显出来。 低眉艺术的起源最早可追溯至上世纪六七十年代的美国加州，创作者不固守于传统的纯艺术疆界，大方地利用世俗的形象来表达自我。Emil Ohlund同样被这种自由的创作内核吸引，透过图像表达他对亚文化视觉的关注和喜好。 Emil Ohlund的灵感来源于对电子游戏、卡漫和玩具的热爱，尤其深受亚文化的影响。《宇宙的巨人希曼》（He-man）中的骷髅王（Skeletor）与《超霸恐龙》（Dino-riders）中的反派Krulos集合成艺术家标志性的机甲骷髅形象。新世纪福音战士（EVA）中初号机的颜色是贯穿在他画作中的经典配色。Emil身为成熟的碎核（breakcore）音乐人，他的画作中也能找到8bit美学的元素，低保真和IDM从音乐延伸到画面中组成失真破碎的点和线。 不得不提的是Emil Ohlund的作品中自始至终都给观者带来一种赛博朋克的感觉，这或许来自于他高饱和、迷幻霓虹色块碰撞下所呈现出的科技感，又或是来自于失序的未来主义场景。当下儿童的热门玩具乐高积木块，在如末世般的图像中频繁出现被赋予了神启意味的元素。赛博朋克，惯常代表着反乌托邦，但是Emil却说如此的图像是他创造的可以逃避现实世界的世外桃源。这样的解释很难不让人想到黑客帝国中的矩阵世界MARTIX，也给其作品套上了一层东方哲学的面纱。 浸润于“次文化“的成长经历激发了Emil Ohlund的艺术灵感，并构筑出他独具风格的“异维度”美学世界。今年五月，北京靠边走艺术空间将举办这位瑞典新锐艺术家的大陆首场个展。希望我们可以一同短暂地“逃离”充满压力的现实生活，去往Emil Ohlund色彩斑斓的异维度幻想世界。

3月12日，中国香港潮流艺术家Mr.Likey的首次内地个展正式于位于北京798艺术区的靠边走艺术空间开展。这位中国香港出生且在美国长大的潮流艺术家毕业于美国艺术大学（University of the Arts），并且获得过“Gold Key Art Award”奖项。在过去的几年间这位跨文化潮流艺术家已经在中国香港、中国台北及菲律宾等地多次举办个展，亦曾于纽约、澳洲、上海和北京参与展览，更获邀为2019上海潮流文化博览的特展艺术家，引起不少收藏家的兴趣。除画作外，Mr.Likey亦是潮流杂志KIKS的专栏作家。本次展览以“让我们混在一起”为主题，艺术家独特、大胆、个性的风格在现场与观众展开心灵对话，为彼此带来会心笑容。 3月11日，靠边走艺术空间先于正式开展前举办了一场小型开幕式活动。策展人苏叉向现场的媒体和嘉宾分享了本次展览的理念与作品。Mr.Likey在寻求艺术的道路上深受波普艺术先驱安迪·沃霍尔和村上隆的影响，他的作品中无论是对于经典卡通的重构，还是绚丽色彩的对比碰撞，都是对波普主义的致敬和延续。而他在创作中也偏爱涂鸦艺术的手法，用看似随意实则精心设计的构图，呈现出意想不到的画面。 展览通过四个主题40余幅画作，系统性展示Mr.Likey作品的趣味和内涵。此外，展览的一大亮点是画作在展场中的重构与延伸。可以说，整个展馆空间都是Mr.Likey作品的延续与重构。身处展馆，观众仿佛置身于艺术家的一幅立体化的作品之中，并由此开启一场“乌托邦”式的旅程。 本次展览还秉承了“靠边走艺术空间”一直以来所倡导的互动性和观众的参与性。在展览现场，观众可以领到一只无色的甜甜圈。这不仅是一个简单的观展纪念品，更是一个观众可以展开想象，继续创作的原料。在欣赏了Mr.Likey的作品之后，观众肯定会激发出不少创作灵感。因此，在展厅出口的位置，空间特意为大家提供了创作甜甜圈的超轻粘土。希望能看到你创意无限的作品。 春天来了，就把所有的烦恼都留在冬季，3月12日-5月8日来靠边走艺术空间和Mr.Likey一起玩转经典，看”当我们混在一起“，享受艺术带来的自由。

潮流艺术家Mr.Likey的首次内地个人展-当我们混在一起将于3月12日正式拉开帷幕。届时，位于北京798艺术区的靠边走艺术空间将展出艺术家所创作的40幅作品，其中不乏精品。除精品众多之外，展览中的6幅更是Mr.Likey全新创作且此前从未在公众面前展示的作品。 生于中国香港的Mr.Likey，自小便跟随家人移民美国。他笑称每天放学后看动画片也是一门必修课，这也影响了日后他的艺术风格。Mr.Likey擅长把经典的卡通形象和文化符号解构再重构，融合出有趣的画面。靠边走艺术空间把这些带有街头艺术美学的作品按照内容划分了四个主题展区。熟悉的卡通形象如辛普森一家、彩虹小熊和史努比在艺术家的笔下被颠覆性的再现。穿行其中，观众最初或许会产生一种“似是而非”的困惑，继而去寻找画作中隐藏的信息，仿佛在玩解密游戏一般，而最终会对这些元素颠覆性的重构和背后隐含的艺术脉络会心一笑。而画作的隐喻？这又是另一场作者与观众间的游戏了。 “融合”这一概念不只出现在艺术家的画作中，实际上，整个展览空间都充分阐释了“融合”理念。步入展厅的瞬间，高饱和度的、明亮的色彩在墙面和地面上撞击，给人以爆炸般的视觉刺激，提醒你已进入迷幻的波普世界。超市货架、社区泳池、街头篮球场，这些街头艺术作品中的重要元素在展厅里立体呈现，让你仿佛置身于一幅经典的街头艺术画作当中。如果你在空间中看见一片甜甜圈森林，不用过分惊讶，因为甜甜圈也是“消费主义”的一个象征性符号，而消费主义与波普艺术有着千丝万缕的联系。看似与画面毫无干系，又各自独立的装置实际上来自于画作的映射，这些装置背后的意义也相互联结。如此展陈之下，每一位观众也都可以和作品产生深度的、独立的、独具个体象征意义的身体与精神的“融合”。 疫情反复的当下，愿“当我们混在一起”能够给与饱受“宅”生活煎熬的人们一剂良药。3月12日，来北京798艺术区靠边走艺术空间看一场只为让你轻松快乐的展览，在会心的幽默里重拾能量与活力。